Voir le cirque en auteur

L’idée de hauteur donne parfois le vertige, rien qu’à y penser. La notion de « cirque d’auteur », qui pousse lentement mais sûrement, peut aussi s’avérer vertigineuse pour celui qui ne la connaît pas. Et si on prenait un peu de hauteur pour mieux comprendre cette idée fondamentale à la création actuelle ?

« Cirque d’auteur » est un terme récent qui légitime l’artiste de cirque en tant qu’auteur-interprète, créateur d’une œuvre originale. Cette inscription dans le registre de la SACD (société des auteurs et compositeurs – en France et en Belgique) est le prolongement d’un processus de légitimation artistique du cirque qui s’est répandu dans les pays occidentaux en un demi-siècle seulement. Cette reconnaissance n’aurait jamais été acquise sans les artistes autodidactes qui se sont engagés en Europe dans cette voie au fil des années 1970-1980. En France, le secteur s’est petit à petit institutionnalisé et des commentateurs ont mis en récit une histoire en cours, avec ses grands chapitres : « nouveau cirque » puis « arts du cirque » dans les années 1990. Des manifestes d’artistes et de critiques ont contribué au développement d’un cirque aux formes contemporaines, se distinguant du cirque traditionnel. On a mis en place une documentation, des ressources, des formations et des espaces de création qui ont stimulé la créativité et la multiplication des formes dans les années 2000.

Aujourd’hui, en 2017, où en sommes-nous ? De nombreux indices démontrent la montée en puissance de cette notion d’« auteur », témoignant de la nécessité de plus en plus pressante de définir cette « écriture » au sens large. Parmi ces indices, au niveau européen, un laboratoire expérimental des écritures du cirque contemporain (CircusNext) vient de conclure quatre années d’exploration au cours d’une rencontre intitulée « Think  Circus ! ». Et l’an dernier, le Cnac (Châlons en Champagne) a mis sur pied avec l’Esac (Bruxelles) un « certificat en dramaturgie circassienne », destiné aux professionnels du cirque.

Se réapproprier les mots

Arrêtons-nous un instant sur les mots : « écriture », « dramaturgie », « auteur ». Tout cela sonne fort théâtral ou littéraire, non ? C’est normal. Le théâtre en a eu longtemps l’exclusivité, parce qu’une loi a obligé les autres arts de la scène à se passer des mots. « Au 19e siècle, sous l’Empire en France, une loi restreint le champ de toutes les représentations autres que théâtrales. Les restrictions concernent essentiellement le contrôle du discours et du dialogue. (…) La pantomime, jouée par des artistes d’agilité et des danseurs de corde, doit être muette, sans sujets ni parlés, ni dialogués », raconte l’historienne Catherine Strasser. Dans ce contexte, le cirque se forge sous des formes hybrides (théâtre équestre, pantomime, amphithéâtre…) et, par sa singularité, entre en compétition avec le théâtre établi. Si la fameuse loi sera abolie en 1864, un certain Monsieur Loyal gardera néanmoins longtemps le monopole de la parole au cirque, jouant le rôle d’une sorte de dramaturge-régisseur en piste, liant les saynètes entre elles et proposant au public une grille de lecture (souvent basée sur une dramaturgie rudimentaire du jamais-vu, de l’incroyable).

Ce passé imprègne l’inconscient du cirque actuel. Artistes et chercheurs explorent volontiers les relations entre cirque et danse, performance, arts plastiques et, finalement, très peu entre cirque et théâtre. Il n’empêche que les fameux mots « auteur », « dramaturgie » ou « écriture » semblent s’émanciper et sont à nouveau libre d’utilisation par tous les secteurs artistiques. Il ne reste au cirque qu’à dédramatiser et se les approprier !

« Il faut savoir qui nous sommes », résume Jérôme Thomas, maître-jongleur, chercheur et administrateur cirque de la SACD-France. « Comment nous définir en tant qu’auteurs de cirque ? La danse, dit-on, est la culture du corps. Le cirque est la culture de l’agrès. Qu’il soit imposant (bascule, trapèze volant), léger (balles de jonglages) ou qu’il semble sous-entendu (sol, main à main), l’agrès permet aux auteurs de transposer leur action en ‘cirque’. On a longtemps parlé des ‘arts du cirque’, mais je me bats aujourd’hui pour la reconnaissance du ‘cirque’… pluriel. » Au cirque, l’écriture préexiste-t-elle à l’agrès ou au contraire en naît-elle ? Peu importe, estime Jérôme Thomas, pour qui la notion d’un cirque pluriel permet aux auteurs de se réunir dans leurs différences et d’abandonner les vieilles querelles de type « tradition » contre « modernité » et de lorgner l’avenir plutôt que le passé.

L’écriture au cirque n’est pas tant cérébrale que physique, pourrait-on dire. C’est bien l’impression de Miguel Cordoba, qui forme le duo Doble Mandoble avec son frère Luis. L’an dernier, il a suivi la formation certificative en dramaturgie circassienne, pour mieux comprendre une écriture qu’il pratique déjà sur le terrain depuis dix ans. « Je ne suis pas metteur en scène mais, avec mon frère, nous sommes auteurs de nos spectacles. J’ai voulu suivre cette formation pour avoir davantage de concepts et de méthodologie de travail, pour apprendre et arriver plus vite à une forme stable dans la création. » La question de la dramaturgie – du sens, du pourquoi – est parfois « celle que tu te poses en dernier », sourit-il. « En démarrant le nouveau projet de création, j’ai réalisé les premières étapes différemment, je suis déjà en train d’utiliser les outils. Et la première question est triple. Que veux-tu exprimer ? Quels moyens vas-tu utiliser pour le faire ? Pourquoi le cirque pour le faire ? »

Le corps plutôt que le raisonnement

Pour Rosa Matthis, du Cirque Barbette, la dramaturgie ne doit être définie ni par le théâtre… ni par le cirque ! « Comme la force de gravité, la dramaturgie est partout », dit-elle. Rosa apprécie la co-écriture, tôt dans le travail de création, avec un dramaturge ou un metteur en scène. « Ce qui est compliqué, c’est le sens que l’on veut mettre dans le geste circassien. Dans la vie de tous les jours, il n’y a pas de sens particulier à se mettre la tête à l’envers ! Il ne s’agit surtout pas de forcer les choses, de mettre une pomme en haut d’un mat chinois pour justifier qu’on y grimpe. Le public peut apprécier de voir quelqu’un monter sans avoir besoin d’une justification rationnelle. »

Le danseur-acrobate-auteur-chorégraphe Claudio Stellato explique pour sa part qu’il « enchaine les choses par le corps et non par le raisonnement. Je fais un spectacle dans un langage qui me correspond exactement : la chose prend forme toute seule – l’histoire apparaît parce que les scènes sont méga-organiques », explique l’auteur de La Cosa et de L’autre. Claudio ne ressent pas le besoin de coécrire, de travailler avec un dramaturge durant la phase de recherche. Il travaille jusqu’à l’épuisement d’un sujet, d’un geste. Par contre, il catalyse ensuite des « regards extérieurs » qu’il ne cherche pas dans les spécialistes mais chez les enfants, les vieux, les personnes croisées en route. La dramaturgie circassienne n’est pour lui rien d’autre que « le déroulement de gestes liés naturellement et manipulés sur le plateau pour rendre cela tangible par les publics ».

La notion d’auteur, tissée dans les corps, fera sans doute d’autant plus avancer le cirque qu’elle conservera une définition la plus large possible. Au contraire de figer les imaginaires, il s’agit de les ouvrir. « On vient d’une époque de bâtisseurs », rappelle Jérôme Thomas. « Le nouveau cirque est parti en pirogue sur des terres inconnues, avec de gros prédateurs traditionnels ou institutionnels qui se moquaient bien de nous ! Puis, au fil du temps, la route du cirque contemporain s’est élargie, il y a maintenant des trottoirs et le souci est parfois juste de changer les ampoules des lampadaires. On est parfois dans la coquetterie. Il reste bien des zones inexplorées. Qui dérangera l’ordre ? » Ceux qui ont l’écriture dans la peau, pardi.